Black Swan – Recensione.

Aronofsky amplifica e conclude il discorso sull’Essere introdotto in The Wrestler e lo fa seguendo per 90 minuti le spalle, le dita e i riflessi negli specchi di Natalie Portman.

Laddove Randy “The Ram”, schiavo e vittima del dio che era stato, si negava ogni possibilità di adattamento ad una società che andava avanti senza fermarsi ad aspettare il suo passo lento da videogioco a sedici bit, Nina è costretta ad evolvere perché solo tingendo di nero le sue ali bianche potrà definitivamente volare.

La Portman, alla prima performance  realmente memorabile della sua carriera dai tempi di Leon, si mostra tanto concreta nella prima parte del film quanto sospesa, spezzata e priva di punti di riferimento nella seconda.

Il suo è un percorso composto dai riflessi di mille specchi che rimandano indietro un’immagine in cui fa sempre più fatica a riconoscersi.
La Nina che ha lottato una vita intera per raggiungere i traguardi che si era prefissata, scopre che le sue verità sono valide quanto il loro opposto.

Che a un cigno bianco ne corrisponde sempre uno nero e che è stata chiamata, lei tra tutte, ad interpretarli entrambi.

Ma come si diventa il proprio opposto?

Su questo indaga Aronofsky, tirando una linea tra le estremizzazioni della carne che vedono a braccetto Cronemberg e Schopenahuer (il corpo come volontà e rappresentazione) e quelle dello spirito in cui fa capolino più di un grottesco VonTrier (la figura della madre, le trasformazioni in digitale) e trovando il cardine del suo discorso nella seduzione.

Quella che Cassel (inturgidendo i capezzoli della totalità delle presenze femminili in sala)

invoca come impeto di pura vita, senza freni, senza muri, e che Mila Cunis

incarna senza alcuno sforzo.
Quella sensualità che Nina non aveva mai perseguito perché ha a che fare con l’istinto più che con la dedizione.
Quella che Nina aveva sempre ignorato perché schiava di una madre che su di lei riversava i suoi fallimenti.
Quella che Nina aveva sempre negato strappando, una per volta, le ali nere che spuntavano sulla sua schiena.
Quella che Nina aveva sempre fuggito perché alla radice della seduzione c’è il confronto. E dal confronto si può uscire vincitori o sconfitti.
E si fa presto a diventare una nuova Winona Rider.

Con l’utilizzo della camera a spalla e dei 360° intorno al personaggio nella parte centrale dello schermo, ormai diventati un vero e proprio marchio di fabbrica, il regista statunitense assolve le più classiche istanze del cinema del balletto, mixandole con rara consapevolezza a quelle del thriller psicologico.
Gioca con i piani dividendoli in maniera netta, in un bianco e nero contenutistico e formale che rappresenta allo stesso tempo la vetta e la conclusione di un percorso artistico che in Logan potrebbe trovare un nuovo inizio.

In questo video, il lavoro svolto sugli effetti:

Mentre  questa è la shplenteta illustrazione con cui Giovanni Rigano ha raccontato il suo punto di vista:

Stellette? 8 su 10